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José María Cruz Novillo. Hoy hablamos de…

Pepe Cruz Novillo fue uno de los protagonistas en el “Encuentro con una generación de profesionales del diseño y la comunicación gráfica”, junto con Severo Almansa. Pero, en vez de hablar sobre sus diseños gráficos, Pepe nos habló de sus creaciones artísticas que han formado, y forman aún, parte de su trayectoria profesional. Influida por sus lecturas de la ciencia, la biología, las ciencias biomédicas y temas musicales, su arte busca su relación y sentido con el tempo. Como explica el artista: “Es una búsqueda de cosas que previamente se han encontrado y esto unido a la vida se convierte en biografía…,” o, citando las palabras de Georges Braque: “Yo primero encuentro y después busco.”

- Le doy la bienvenida al Observatorio de Diseño y Arquitectura, usted tiene una trayectoria extraordinaria en el diseño gráfico y está reconocido creador de marcas de España. Ya forman parte de la cultura, la memoria colectiva de los españoles: la de Renfe, Correos & Telégrafos, Fundación Repsol, la Rosa del PSOE y de los billetes de las antiguas pesetas, para nombrar sólo algunas.

Pero actualmente trabajas como un escultor para varios centros de arte, como un artista plástico.

Sí, lo voy a ser prácticamente desde hoy hasta el final del Arco 2010 en Madrid. Montaré mi participación, y tras ésta intentaré volver a ser diseñador y hacer los encargos que lleguen con muchísima ilusión.

Mi otra profesión me gusta muchísimo también. Hoy, circunstancialmente, me gustaría hablar sobre mi vida de artista plástico.

- Aunque dices “hoy”, no es una vida nueva. Has trabajado como artista desde hace muchos años, forma parte de tu forma de ser.

Sí, he tenido la intuición, y he de decir que a lo largo de mi vida profesional ha sido extraordinariamente útil. Muy pronto empecé a preocuparme del rumbo de las artes plásticas de una forma que no era amateur sino que era muy profesional. En 1979, hice una exposición en Madrid de mi obra de artista plástico en un momento que simultaneaba estos intereses con el ejercicio de diseñador al máximo nivel.

Eso significa que en mi vida profesional he estado compartiendo ambas actividades de una manera que a mi me resulta sorprendente haber sido capaz de hacerlo porque es muy difícil.

Se trata de dos profesiones que no tienen prácticamente nada de relación entre ellos, en contra de lo que pueda parecer.

- Sí, parece que tienen enlaces.

Usamos a veces las mismas herramientas, los medios, los pigmentos, las texturas; pero sin embargo yo creo que la diferencia fundamental, o desde luego en mi caso lo es, es que el 99% de los trabajos que he realizado como diseñador han sido como fruto de un encargo previo; alguien se ha dirigido a mi para que le ayudara a resolver un problema, casi siempre problemas muy objetivos, muy fáciles de analizar o de buscar métodos de meterse en ellos y resolverlos.

En mi vida de artista plástico sucede todo lo contrario, porque yo soy el 99%, aparte de que, desafortunadamente para mí, he tenido muy pocos encargos como escultor. Me ha gustado mucho tenerlos y espero que un futuro, lo más próximo posible, vuelva a trabajar como escultor; con encargos como escultor. Es un momento en el cual la cooperación de mi participación con la galería Evelyn Botella de Madrid, en la feria de arte Arco, me tiene absorbido muy positivamente, en la cual llevo trabajando mucho tiempo. Hemos celebrado, hace un par de años, los 30 años de la galería. No recuerdo muy bien fechas, pero aparte de los 30 años de la galería, prácticamente al mismo tiempo hemos celebrado también los 30 años de participación en Arco de la galería y de mi cooperación en ésta. Aparte hemos estado en otras ferias, como Colonia, Basilea, o París; por estas circunstancias me encuentro mucho más cómodo hablando de esta inmediata realidad mía profesional

- Ser un artista conlleva una mentalidad que, creo que dentro de la profesión de cualquiera sea arquitecto o diseñador gráfico, provoca una mirada diferente a la vida.

Para simplificar muchísimo me gusta pensar que la gran diferencia es trabajar por encargo o hacerlo por propia iniciativa. Por ejemplo, muy pocas veces he hecho algo yo, que se pueda denominar diseño que no haya sido por encargo, y muy pocas veces he hecho esculturas porque me las hayan encargado.

- ¿Cómo lo haces? Se entiende bien la parte de los encargos. Tienes que resolver un problema, un deseo por parte del cliente pero, cómo artista, ¿dónde buscas la inspiración?

Seguramente la clave de todo es que estoy trabajando en mi propia línea de búsqueda de un discurso que sea lo más explicito posible de tal manera que cada obra que hago en mi actividad de escultor tiene una relación intensísima con las obras anteriores. Es un proceso de evolución muy dialéctico y en el cual sí que es mutuo a veces determinadas experiencias que desarrollo en mi profesión de diseñador. Hay una implementación, que nunca es voluntaria, tendrá que ver seguramente con esos misterios de los sistemas neuronales que al parecer se parecen mucho a algunas estructuras de la ciencia que estudia las máquinas, las computadoras.

Yo no utilizo deliberadamente esto que llaman los “sistemas expertos”. Un diseñador, un artista plástico es un sistema experto que funcionan acumulando conocimiento, una especie de disco duro que se va llenando y el cual se utiliza accidentalmente, se produce un estímulo que es un hecho concreto que puede ser una intuición, a veces un descubrimiento. Hay una frase que a mí me gusta citar siempre, que a veces pienso como que se me ha ocurrido a mí porque yo siempre digo que es del pintor francés Georges Braque, y que no recuerdo haberla leído y, sin embargo, yo siempre la cito de esta manera: que parece ser que responde a una frase que había dicho Picasso que es muy famosa que dice: “Yo no busco, encuentro”; y a que mi, por ejemplo, no me gusta verlo así, me parece mentira; que sin embargo parece ser que Georges Braque hizo una frase que debería ser una réplica de la de éste, sino no tiene lógica que es: “Yo primero encuentro y después busco”. A mi ésta me gusta muchísimo. Para mi es mi método, de ahí procede todo. Es una búsqueda de cosas que previamente se han encontrado y esto unido a la vida se convierte en biografía y es un poco lo que me parece que vamos a ver.

Hay unas inferencias de otros temas. A mí me gusta mucho leer divulgación de la ciencia, cada vez me gusta más. A mí me gusta mucho la física pero también me gusta mucho la biología, las ciencias biomédicas; soy un lector bastante interesado, solamente por crear unos conocimientos y poco a poco he ido introduciendo mi deseo, mi voluntad y así introducir elementos de esta afición mía en mi obra de arte. Del mismo modo soy un lector también de temas de divulgación de cuestiones de música, me gusta mucho leer biografías de compositores. Me interesa mucho la música como creación.

- Este vínculo de tu diálogo es muy interesante, entre la ciencias y el arte, que las neuronas hacen estos enlaces, estas conexiones, y si se rompen, no somos nada. Lo mismo pasa en la música con las relaciones de las notas en las partituras musicales.

La obra que hago es bastante conocida porque llevo muchos años haciéndola. La particularidad es que empecé, tengo la fecha aproximada, a finales de los años 80, comienzo de los 90 del siglo pasado, que por primera vez, por una serie de casualidades se me ocurrió hacer un ciclo de obras plásticas, en aquel momento me expresaba más como pintor, trabajaba en las 2 dimensiones y trabajaba en uno de los temas de obra más relacionada con el constructivismo, con algunos casos del minimalismo norteamericano, estructuras geométricas muy sencillas prácticamente era un cuadrado dividido por dos ejes en cuatro partes y sobre él distribuía de una manera al principio intuitiva pero muy pronto deliberadamente, la investigación me llevó a ser más profundo.

Trabajando con cuatro elementos que conformaban las cuatro partes en que dividía un cuadrado, me propuse hacer todas las formas en las que podía componer cuatro colores, que eran los cuatro colores básicos para mí: rojo, azul, amarillo, verde, para mí en aquella época; y hacía todas las combinaciones posibles de cuatro colores sobre un cuadrado dividido en cuatro sub-cuadrados. Inmediatamente me enteré de que la cuenta aritmética de eso era elevar un número por si mismo de tal manera que en esta ocasión la cuenta era cuatro elevado a cuatro; cuatro elevado a cuatro son 256; me encontré con un repertorio de obra de 256 obras distintas pero tenían como común que parecían iguales. Entonces me metí en ese mundo de la percepción equívoca de las cosas y cogí esa especie de atención muy temprano, prácticamente al muy poco tiempo de empezar a desarrollar estos esquemas de trabajo, estos métodos. Se me ocurrió atribuirle a cada uno de los cuatro colores un sonido; esto fue un poco el comienzo de todo, de tal manera que aparte de ser un campo cromático era también un sonido que me permitía coquetear con esta utopía sinestésica de la percepción por dos sentidos simultáneamente: la vista y el oído. Esto fue el comienzo.

De una manera secuencial empecé a trabajar. Lo primero que se me ocurrió fue añadir complejidad de una manera lógica; que en vez de trabajar con cuatro unidades empecé a trabajar con cinco. Entonces trabajando con cinco, cinco elevado a cinco son 3120, es decir, que aumenta de una manera lógica. Entonces empecé a trabajar con la hipótesis del ciclo de obras de esa cantidad y de esa posibilidad de duración. Empecé a trabajar con cinco notas musicales en vez de con cuatro, empecé a articularla ya con forma de narración de una manera que se parece mucho a la música sin serlo, del mismo modo que es muy probable que la obra de percepción visual se pareciera también a la pintura seguramente sin serlo también. Entonces decidí a esto llamarlo estructura que es un punto que va haciendo estructuras de percepción sinestésica y añadiendo elementos circunstanciales en algún caso por algún encargo en concreto. Empecé a trabajar con siete unidades que es la parte más decisiva de mi evolución en estos últimos años. La costumbre era llamarle a cada una de estas entidades con la palabra genérica diafragma porque lo eran al principio literalmente, ya que se parecían mucho al diafragma fotográfico; una figura geométrica que era un cuadrado un rombo o un círculo dividido por los dos ejes. Al pasar a ser cinco unidades seguí llamando diafragma a pesar de que habían dejado de serlo, entonces elegí otro tipo de orientación casi siempre a base de franjas horizontales, se leían de izquierda a derecha; configuró un lenguaje que fue sonando: el diafragma 07. El diafragma heptafónico, el diafragma octofónico, que persiste como una obra bastante interesante porque conseguí con esa evolución introducir un factor obvio que es el tiempo, siendo el tiempo en este momento probablemente la característica más interesante de la obra que estoy haciendo.

- Para concluir, ¿qué estas exponiendo en el Arco en Madrid?

Hace ya bastantes años que la evolución, ésta a la que me refiero, me llevó a un ciclo que denomino diafragma dodecafónico que tiene la particularidad de que está hecho ni con cuatro, ni con cinco, ni con seis ni con siete unidades sino que está hecho con doce; las doce notas de la octava de un piano que son las siete notas blancas que era el diafragma heptafónico más las cinco notas negras, sostenidas y bemoles.

En Arco, dentro de unos días voy a poner en marcha una obra cuyo soporte es una pantalla, un monitor de 40 pulgadas en el cual se va a desarrollar por primera vez el diafragma dodecafónico completo que sólo había hecho fragmentos en ocasiones anteriores y la característica más notable del diafragma dodecafónico completo es su duración, que dura 3000 milenios, una pieza que dura cerca de 3 millones y medio de años

Empieza en la Zona Norte, el día 17 a las 12 del mediodía, espero vivir lo suficiente para ver el final. Es una pieza de características especiales, es muy complicado el programa informático que hemos desarrollado para este fin.

Esto es un poco el anuncio, por primera vez, de lo que voy a hacer, y que me gustaría que estuvieras allí.

Texto: Halldóra Arnardóttir, Doctora en Historia de Arte.

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